Esta crítica é baseada em uma exibição no Festival de Cinema de Sundance.
“Josephine”, de Beth de Araújo, que ganhou o Grande Prêmio do Júri de Sundance e o Prêmio do Público do festival, tem nuances emocionais e nuances emocionais. A difícil história do filme, em que uma menina de oito anos testemunha uma violência sexual violenta e seus pais não sabem como ajudá-la a lidar com a situação, e sua estética áspera e crua criaram alguns dos parâmetros mais desafiadores para uma estrela infantil nos últimos anos. No entanto, a performance jovem em seu centro é tão mágica quanto o filme lentamente se aglutina em torno dela, criando um trem de carga de impacto emocional.
Certa manhã, enquanto Josephine (Mason Reeves) e seu pai Damian (Channing Tatum) correm no Golden Gate Park em São Francisco, eles são brevemente separados, e o aluno da segunda série observa de longe um misterioso agressor em uma camiseta verde (Philip Ettinger) domina e ataca um corredor desavisado (Sierra McCarthy). Num momento terrível, tanto a vítima como o perpetrador olharam para a jovem antes do ataque ser interrompido e o homem ser localizado e preso. No entanto, nem Damien nem sua esposa Claire (Gemma Chan) conseguem decidir a maneira certa de explicar a Josephine o que ela viu, deixando-a emocionalmente perturbada, tornando-se mais confusa, mais ressentida com a autoridade e mais violenta com seus colegas de classe. Com o passar do tempo, ela até começou a imaginar seu agressor aparecendo no espaço ao seu redor – até mesmo na segurança de seu quarto.
A abordagem sincera e inabalável de De Araujo ao incidente, nascida de ter testemunhado tal ataque numa idade semelhante, confere a Josephine uma qualidade autobiográfica. Seus contornos são gradualmente moldados pelos personagens parentais e suas performances cuidadosamente representadas, que se baseiam nos amplos gêneros de Tatum e Chan em busca de camadas inesperadas. Damian, um pai severo, embora às vezes travesso, fica frustrado com suas palavras, mas exige que Josephine permaneça em silêncio enquanto tenta lidar com o incidente e suas consequências legais (a vítima vai embora, deixando Josephine como a única testemunha). As comédias de Tatum muitas vezes exploram a figura estúpida de garoto de fraternidade, e o filme de De Araujo não é exceção, exceto que captura uma família difícil terminando no molde masculino na forma de um pai que ajuda sua filha a entender o mundo através de um silêncio severo e lições de autodefesa.
Por outro lado, a elegância de Chen também afeta a abordagem de Claire de maneira perturbadora. Como dançarina e artista, ela procurou maneiras de conversar com Josephine sobre esse trauma, mas recorreu a clichês e não conseguiu encontrar uma maneira de responder à filha quando inevitavelmente lhe perguntaram se ela já havia sido vítima de um ataque semelhante. Não existe uma idade perfeita para a educação sexual e certamente não explica as áreas cinzentas da sexualidade humana aos pré-púberes – o advogado de defesa do agressor alegou que o encontro foi consensual – e muito menos a definição de “estupro”. Certamente não existe um manual de instruções sobre o que fazer quando o momento ideal para essa discussão passar por motivos alheios ao controle dos pais. Mas, ao contrário de Claire e Damian, Josephine tem acesso à internet à sua disposição, embora as explicações que encontra online apenas a confundam ainda mais.
De Araujo descobriu Reeves em um mercado de agricultores meses antes das filmagens e trouxe um naturalismo chocante ao papel. Josephine é o “Jo” masculino para seu pai e o adorável “JoJo” para sua mãe, e tanto a personagem quanto a atriz oscilam sem esforço entre os dois papéis enquanto tentam encontrar uma sensação de estabilidade enquanto o chão é puxado debaixo deles. O crescente desconforto de Josephine reflecte-se de forma ousada na jovem recém-chegada, cuja crescente incerteza sobre a sexualidade e a moralidade humanas se infiltra nas suas emoções com frustração reprimida. Reeves segurou-os perto do peito até que finalmente fervessem. Ela é uma bomba-relógio; é a performance de estreia mais incrível que você já viu.
Esses momentos emocionais são reunidos com o toque hábil e cuidadoso de Araujo, resultando em um filme de complexidade psicológica (que gira em torno de traumas sexuais infantis) no mesmo nível de “Pele Misteriosa” de Gregg Araki. A visão do diretor sobre São Francisco contribui para o ímpeto da história, com suas ruas sinuosas, fios entrecruzados e pontes metálicas parecendo pesar sobre os personagens de cima. A câmera se move para frente e para trás entre a perspectiva de Josephine, como se a jovem estivesse sendo puxada para fora de seu corpo e depois empurrada de volta, o uso do espaço aumentando ainda mais a chicotada emocional. Na maior parte do tempo, de Araujo e a diretora de fotografia Greta Zozzula nos mantêm no mesmo nível dos olhos e usam lentes telefoto para desfocar os detalhes do mundo adulto maior e mais grandioso, criando tensão em tomadas ininterruptas, como se a visão de Josephine estivesse lentamente sendo envolvida pela neblina. Green começa a entrar cada vez mais em seu campo de visão e, eventualmente, os cineastas rompem com o método de obscuridade mencionado anteriormente – usando lentes grande angulares para expandir o espaço e distorcer o movimento – e por momentos breves e imaginativos, Josephine começa a imaginar os agressores de camisa verde em seu quarto como um espectro de confusão crescente em sua mente.
Ettinger desempenha cuidadosamente esse papel imaginário. Às vezes, ele é uma presença imponente, mas também pode ser fantasmagórico, taciturno ou até mesmo simpático. Ele levanta questões sobre o que seu encontro de olhares com Josephine no parque pode ter feito com ela, e como sua interpretação do evento e o que levou a isso pode ter sido forçada a mudar ao longo do tempo, quando seus pais não pareciam saber como manter contato com ela por tempo suficiente para confortá-la. Este momento de identificação crua com o seu violador faz com que ela se volte para dentro e questione a sua própria capacidade para o mal. O fato de ela começar a usar esmalte verde não passa despercebido, mas é um dos muitos detalhes marcantes do filme que não pode ser ignorado e pode fazer você se contorcer na cadeira.
O filme levanta amplas questões filosóficas a partir da perspectiva de uma criança, que combinadas com a trilha sonora brilhante e propulsiva de Miles Ross imbuem momentos simples de drama com tendências aterrorizantes. A história gira em torno da magia de uma jovem performer que nos guia pela progressão silenciosa da história, perdendo-se em pensamentos e auto-aversão, enquanto os personagens adultos estão emocionalmente despreparados para encarar seu olhar. Tudo isso contribui para tornar “Josephine” uma das peças de teatro mais poderosas e chocantes do moderno palco independente americano.
