Joachim Trier não está 100% satisfeito com o fato de seu candidato ao Oscar, “Valor Sentimental”, ter sido rotulado de melodrama. Mas, novamente, ele nunca se sentiu confortável com a ideia de fazer um filme que pudesse ser interpretado como um filme. Sobre o kit de ferramentas para cineastas podcastO autoproclamado “punk da contracultura” disse que a decisão de abordar a emocionante história familiar foi a mais difícil.
“Estou perdendo o juízo sobre isso”, disse Trier. “Fiz isso da melhor maneira que pude, indo a lugares de amor muito terno, terno, conexão e desconexão, tentando realmente entrar na intimidade desses relacionamentos, e fiquei muito ansioso o tempo todo, perguntando: ‘É demais?’”
O sexto filme do aclamado cineasta norueguês investiga áreas que a maioria reserva para terapia: os espaços tácitos na relação pai-filho e as feridas que não são discutidas, mas são transmitidas e vividas pela próxima geração. O trauma irreconciliável do pai do famoso diretor de cinema Gustav Berg (Stellan Skarsgård), suportado por suas filhas distantes, especialmente a atriz Nora (Renate Reinswey), apresentou a Trier um desafio de roteiro.
Seus filmes anteriores envolveram narrativas com vários personagens que alternam entre perspectivas, mas “Valor Emocional” será o que Trier chama de sua primeira “história polifônica”.
“Essa (narrativa com vários personagens), mais do que qualquer coisa que já fiz, estava tentando criar um arco emocional na história”, disse Trier. “Foi um ato de equilíbrio super complicado, tematicamente, e quando chegamos ao final, percebemos que tínhamos um filme.”
O final de “Valor Sentimental” é um verdadeiro momento de magia cinematográfica, uma longa cena silenciosa em que as origens do trauma não são discutidas, mas onde partilhamos a corrente emocional de um momento de profunda compreensão entre pai e filha. No podcast, Trier mergulha no final, como estruturou a narrativa daquele momento e no poder do rosto humano na tela grande.
Filme de Gustav “Saudades de Casa”
Em “Valor Sentimental” vemos o título sueco da peça de Gustav, que Trier diz ser traduzido como “Saudade de Casa”; saudoso Esta é uma tradução menos poética de uma palavra em inglês.
Trier disse que apresentou Gustave aos telespectadores através dos olhos de Nora, um “pai fracassado” que retorna à casa que abandonou para o funeral de sua mãe. Nora acredita que a tentativa de Gustav de fazer seu primeiro filme estrelado por ela em 15 anos também foi produto de seu interesse narcisista, que fez dele um mau pai. O que ela não consegue perceber é que a “saudade de casa” de Gustave é a sua tentativa de compensar o trauma de crescer na mesma casa que Nora, onde a sua mãe foi torturada e capturada durante a guerra e acabou por cometer suicídio.
De acordo com Trier, Nora não percebeu até o final que, ao fazer o filme, Gustav estava na verdade se “humilhando” como pai.
“O que me interessou foi virar a mesa e perceber que o filme que ele fez era uma carta de amor”, disse Trier. “Porque ele não tinha uma linguagem em sua vida social para dizer à filha: ‘Vejo você e acho que você está tão solitário quanto eu.
A descoberta do final foi um grande avanço para Trier e o coautor Eskil Vogt porque mostrou que eles poderiam misturar “temas fictícios com temas reais da vida de pessoas criativas”. “Percebemos que poderíamos conectar a expressão de Gustav de um sentimento profundo e indescritível de solidão, suas reflexões sobre o suicídio de sua mãe, suas preocupações por não ser capaz de se comunicar com sua filha e a estranha experiência de sua filha de suportar o peso de três gerações, tudo de uma forma tácita e ferida, tudo no filme que ele estava fazendo”, explica Trier.
Ozu e personagens irmãs
Isso não quer dizer que Gustav tinha esse objetivo declarado em mente quando começou a fazer o filme. Trier diz: “Como artista, acho que o propósito de Gustav ao criar algo nem sempre é óbvio.” As histórias de ambos os artistas evitam seu trauma e sua conexão com sua arte, o que apresentou outro desafio de roteiro: como construir um filme que conduza organicamente a cenas de ruptura no filme.
“Então, estruturalmente, como configuramos isso? Como equilibramos os diferentes pontos de vista? Como mapeamos o espaço cinematográfico para o espaço tácito entre eles?” Trier disse. “Porque essas pessoas são muito articuladas e conseguem conversar, mas também tentam evitar coisas importantes”.
Trier encontrou a resposta estudando outros cineastas cujos filmes investigam aspectos tácitos semelhantes da dinâmica familiar. Em particular, o arquétipo da personagem irmã ou filha nos filmes de Ozu Yasujirō o levou a escolher a personagem Agnes (Inga Ibsdote Lillias) como solução. Trier explica: “O olhar da irmã – e o silêncio na mesa de jantar – escuta e observa, permitindo que o público perceba lentamente que ela está vendo mais do que os outros, mas como ela expressará esse sentimento de amor?”
Agnes, ao contrário de sua irmã e de seu pai, optou por não seguir a carreira de artista (apesar de estrelar um dos filmes mais famosos de seu pai quando criança), mas sim constituir sua própria família. Foi dessa perspectiva que ela pôde ver o que estava atormentando os dois. Os esforços amorosos desse personagem quieto para ajudá-los a conectar os pontos são exatamente o mecanismo narrativo que Trier precisa.
“Estou tentando fazer histórias mais polifônicas e espero dar ao público uma pequena surpresa”, disse Trier. “O cerne da história é realmente carregado pela adorável irmã Inga Lilleaas, que é mais uma observadora no início, mas na verdade é uma parte muito importante de como ela resolve pelo menos os primeiros passos da reconciliação que oferecemos aqui.”
Silêncio e rostos
Ao discutir o final do podcast, Trier falou sobre como tem lutado para conseguir esses longos momentos de silêncio ao longo de sua carreira, especialmente no final dos filmes. Seu segundo longa-metragem, “Oslo, 31 de Agosto”, leva isso ao extremo, terminando com quase 30 minutos sem diálogo. Trier disse. “Trabalhamos para atingir esse objetivo, esperando que o público sinta o suficiente para interpretar e realmente dar profundidade ao silêncio”. Trier é atraído por esses grandes momentos de silêncio porque eles contam com o que ele considera a maior ferramenta de um cineasta.
“Podemos falar sobre humor, luz e espaço, mas no final das contas o rosto humano é o que mais me interessa. Adoro close-ups e escolherei close-ups”, disse Trier. “Eu realmente me importo com os atores serem capazes de fazer o que só podemos fazer nos filmes, que é ficar muito íntimo deles e vê-los de uma forma que não podemos na vida real. É por isso que vou ao cinema. Você pode olhar um para o outro com uma intensidade anormal que nenhuma pessoa sã jamais faria com outra pessoa, e realmente conhecer o rosto de alguém, lê-lo e ter empatia por ele.”
Um dos aspectos mais impressionantes do roteiro de “Valor Emocional” é a base que ele estabelece para Reinsway e Skarsgård explorarem e transmitirem a profundidade de emoções complexas usando apenas seus rostos.
“Depois disso, eles se entreolharam e sabiam que não sabiam falar nada, mas o público poderia interpretar algo por si mesmo – algo deve ter acontecido, algo deve ter acontecido durante aquele longo olhar mútuo no final”, disse Trier.
Durante a edição de Sentimental Value, Trier recebeu mensagens de várias pessoas dizendo que ele havia encurtado o final e reduzido as expressões silenciosas de Rainsway e Skarsgård. Isso foi algo que ele decidiu que não poderia fazer. Há tanta coisa por aí.
