A técnica de queda de agulha como a conhecemos nasceu em 1969, e o uso de “Born to be Wild” em “Easy Rider” tornou-se instantaneamente icônico. Claro, há precedentes para isso. O primeiro uso de uma música de rock em um filme foi “Rock ‘n’ Roll”, tocada nos créditos de abertura de Blackboard Jungle (1955), e o padrinho das músicas de rock em qualquer medida é Kenneth Anger, com sua canção pop de 28 minutos sobre motociclista, drogas, Jesus e couro queer “Scorpio Rising” de 1963 – uma das canções de rock mais clássicas já escritas, na minha opinião. Dez dos maiores filmes de todos os tempos – inventando as justaposições extáticas que inspiraram Martin Scorsese, o principal poeta do cinema. Quais cineastas nos deram as maiores quedas de agulha? A resposta é Scorsese (filho da estética de Kenneth Anger), Tarantino (filho de Scorsese), Paul Thomas Anderson (filho de Tarantino) e de uma faixa bem diferente, Michael Mann (escreverei um post sobre o filme de 40 anos quando for lançado na próxima semana).
Estou acelerando esse pedaço da história porque há algo tão olho por olho em “Motown”, um novo thriller policial surpreendentemente de alta octanagem (com romance, violência, suspense, mas sem diálogo) que merece comparação com todos os trabalhos do outro diretor. Portanto, quero esclarecer que não estamos falando apenas de gotas regulares de agulhas, mas do tipo visionário de hipnose.
Situado em Detroit de 1977, o filme nos apresenta John Miller (Alan Ritchson), um corpulento e corpulento veterano do Vietnã que parece um cruzamento entre Bruce Banner e o Hulk. Mas em seu corte de cabelo “G.I. Joe”, ele está tentando seguir o caminho certo. Nós o vemos se apaixonar por sua namorada, Sofia (Shailene Woodley), e ele se ajoelha e a pede em casamento (uma proposta que ela aceita com gratidão). Nós testemunhamos um crime bastante bizarro onde um de seus muscle cars verdes antigos dos anos 70 foi roubado… e depois devolvido para ele. A essa altura, gostamos de Miller e Sofia o suficiente para querer vê-los felizes.
Em seguida, o dedilhar familiar do violão preenche a trilha sonora e ouvimos a introdução da grande canção do Fleetwood Mac de 1977, “The Chain”. Numa cena que se desenrola em câmera lenta, uma bomba de gás lacrimogêneo é lançada na casa do casal, rasgando o véu da felicidade doméstica. O detetive entra correndo e exige ver Miller, que, até onde sabemos, não fez nada de errado (na verdade, ele acabou de cumprir os requisitos de liberdade condicional). Do lado de fora, a polícia, liderada por um policial inexpressivo e sinistro, com um longo casaco de pele preto, ordenou que ele se deitasse no chão, de bruços; Sophia saiu de casa e foi colocada no banco de trás do carro, olhando pelo vidro. À medida que a polícia abre o porta-malas do carro de Miller e encontra vários quilos de drogas, nosso crescente sentimento de medo e horror ecoa o fio irônico, mas irônico, de “The Chain”. A música é lenta que explode em um clímax maravilhosamente melancólico e uptempo. (“Cha-aa-ain…vamos ficar juntos!…correndo nas sombras!”), que eleva o horror e o trauma que assistimos à forma mais pura de ópera.
Encenar uma ótima performance não é o mesmo que dirigir um ótimo filme. Mas Potsy Ponciroli, o diretor da “Motown” (estreia em 24 de julho), é em grande parte operístico. Ele fez um drama policial estilizado cheio de música pop e cheio de vozes naturalistas, então parece mais ou menos autêntico, exceto que os personagens não falam. (Eles ocasionalmente dizem palavras descartáveis.) Mesmo quando os dois estão sentados em uma mesa de restaurante, a comunicação entre eles é sugerida por meio de expressões, gestos e nossa capacidade de interpretar a situação. Isso funciona porque já vimos thrillers suficientes para adicionar cor à natureza da conversa. Não precisamos ouvir essas palavras. Sem eles estaríamos em apuros presente ator. Às vezes, “Motown” parece um filme mudo dirigido por Scorsese. Ele nos atrai porque tem uma superfície operística cintilante do submundo, mas também porque o público precisa usar um pouco seu macarrão para se envolver com a narrativa do filme.
A Motown retrata Detroit como um lugar decadente e decadente, um purgatório em ruínas com uma vibração de rock da época (pôsteres de Styx e Zappa), o cenário perfeito para um drama policial. O som de uma versão reformulada de “Putting Out Fire” de David Bowie (neste ponto, a música se refere à queda da agulha) dá o tom de êxtase cheio de medo, enquanto flashbacks do que aconteceu no beco do lado de fora do clube decadente nos dão todo o drama que precisamos. Lá, Sophia conheceu Miller, que estava vestido como um lotário dos anos 70 com um vestido, como um festeiro esculpido em mármore. O estranho é que ela se apaixonou por Reynolds (interpretado por Ben Foster), que parece um idiota, mas na verdade é um traficante extremamente rico e poderoso. Miller finalmente tirou Sophia do olhar controlador de Reynolds. A polícia foi à casa de Miller porque Reynolds o incriminou por vingança.
Uma manchete vista na caixa de correio de um jornal nos diz que Miller foi condenado a 25 anos de prisão por porte de drogas. Isto é o que acontece quando você rouba a namorada de um chefe da máfia. Agora Reynolds trouxe Sophia de volta. Ele vem visitar Miller na prisão e lhe dá uma foto sua e de Sophia (eles agora estão casados) com uma frase rabiscada no verso: “Você deveria ver a lua de mel.” Ponceiroli encena uma sequência poderosa com “I Feel Love” de Donna Summer, que é toda sobre as fantasias ciumentas de Miller, enquanto “Motor City” continua apertando os parafusos do sadismo e da vingança. Ele também tem um policial trabalhador e algumas reviravoltas inteligentes, como aquela envolvendo uma aliança de casamento. Escrita por Chad St. John, é uma peça suja de pop cru que lembra a engenhosidade crua e de baixo orçamento de tudo, desde “Drive” a David Lynch até “Dragged Across Concrete”.
Sou fã do sorrateiro e estiloso western de 2021 de Ponceroli, “Old Henry”, estrelado por Tim Blake Nelson como um rato mau com quem não se deve mexer. Mas “Motown”, embora não seja um filme tão perfeito, mostra que Ponceiroli tem um talento que eu acho que poderia ser explosivo em um filme mainstream. Se eu fosse produtor ou chefe de estúdio, assinaria com ele imediatamente. Ele permite que seus atores se expressem com grande expressividade (um grande fator para o sucesso do filme), e suas escolhas são ousadas e parecem corretas, como quando ele encena a intrincada cena de fuga da prisão em “Nights in White Satin”, de The Moody Blues.
Dito isto, a última parte do filme desaparece de uma forma bastante inexplicável. Depois que Miller escapar da prisão (com uma adaga feita de doce derretido), ele receberá dele Vingança, mas por algum motivo as gotas de agulha do filme desapareceram, substituídas por uma trilha sonora de suspense ortodoxa e branda. Ponceroli perdeu repentinamente os direitos da música que originalmente planejava usar? O problema é que isso parece uma violação da estética do filme, sem falar que é uma grande oportunidade. Estou realmente ansioso pelas cenas ultraviolentas ambientadas no que vocês imaginam que seria a última música da Terra. O epílogo, que ocorre anos depois, parece um erro de cálculo. Mas “Motown” é o melhor e se qualifica como uma experiência cinematográfica verdadeiramente envolvente. É um filme quase totalmente sem palavras, mas fala.
