Usando técnicas adaptadas do cinema e da estética, o trabalho de Alex Prager injeta um toque surreal ao glamour da Velha Hollywood, misturando imagens estáticas e em movimento. É surpreendente que ela tenha demorado tanto para dirigir um longa-metragem, especialmente considerando que a fotógrafa nascida em Los Angeles também faz curtas-metragens desde o início de 2010. Dessa forma, “DreamQuil” é menos um novo capítulo do que um ponto culminante: Elizabeth Banks, que também apareceu no curta-metragem de Prager de 2013, “Faces in the Crowd”, ainda tem a mesma combinação de cabelo laranja-cenoura e batom vermelho-tomate de Bryce Dallas Howard no filme anterior de Prager, “Desperate”.
Mas quanto mais Prager expandia seu trabalho cinematográfico, mais ela ficava limitada pela narrativa e pelas demandas de iluminação, composição e cor. Como os artistas visuais às vezes recorrem à narrativa, a narrativa é o elemento mais fraco do filme de estreia de Prager. “DreamQuil” levanta questões convincentes sobre o impacto da terceirização das relações humanas para máquinas, um tema relevante na era dos “companheiros” da inteligência artificial, onde as startups prometem enviar entes queridos falecidos para a nuvem. No entanto, Prager não é a primeira cineasta a abordar esses temas e oferece poucos insights sobre eles.
A coisa mais frustrante sobre “DreamQuil” é o fracasso em cumprir sua suposta conclusão. É claro que Prager e sua coautora (e irmã) Vanessa Prager não podem resolver sozinhas um dos maiores problemas existenciais que a humanidade enfrenta no século XXI. Mas fazer uma observação não é o mesmo que ter um ponto de vista, e respostas mais ponderadas a muitas das perguntas do filme – na verdade, tudo o que obtemos são imagens de alguns manifestantes segurando cartazes que dizem “Pense quando você fosse humano” – teria ajudado muito “DreamQuil” do ponto de vista narrativo.
Na verdade, a história não tem conclusão, mudando de rumo sempre que parece ter algo a dizer. Uma coisa que permeia é nossa protagonista Carol (Elizabeth Banks) e sua insatisfação com a vida. Ela está fazendo um ótimo trabalho, mas ainda não recebeu a promoção que deseja. Seu marido Gary (John C. Reilly) é atencioso, mas não tem interesse em sexo. Ela também tem dificuldade em se conectar com seu filho Quentin (Toby Larson), que lhe disse desde o início que não gostava muito de estar perto dela.
Claro, não ajuda que a única maneira de Carol ver seus amigos seja virtualmente, porque em um futuro próximo na Califórnia, o ar está tão poluído que é impossível sair de casa sem uma máscara de plástico parecida com uma boneca colada na metade inferior do rosto. O clima psicológico também é tão sufocante que a “Unidade Urbana de Suicídios” vem limpar a mulher que pula da varanda de seu apartamento na cena de abertura. quem é ela? Descobriremos, mesmo que seja tarde demais para fazer sentido.
Assim, tal como na nossa actual distopia capitalista tardia, Carol procura uma solução consumista para os seus problemas existenciais, inscrevendo-se no muito alardeado programa de saúde da mulher que lhe dá o nome. Sua amiga Rebecca (Sofia Boutella) diz a ela que é como “ayahuasca digital”, uma forma de redefinir as substâncias químicas e a atitude do cérebro no processo. Assim que Carol se compromete com o processo DreamQuil, uma enfermeira de uniforme rosa claro, interpretada por Juliette Lewis, injeta nela uma seringa cheia da substância roxa cintilante, e o ego de Carol é destruído enquanto ela revive o dia em que quase se afogou no oceano – só que desta vez, Gary não salta para salvá-la.
Essa insegurança familiar se manifesta ao longo dos dois terços restantes do filme, que apresenta dublês, robôs e representações holográficas das personagens femininas do filme. Novamente, há algo aqui sobre misoginia e objetificação, mas Prager nunca consegue entender o assunto com firmeza. Em vez disso, ela usa os personagens como adereços, interpretando-os em um kitsch retro-futurista que é um pouco como “The Stepford Wives” – que é explicitamente mencionado no diálogo – filmado no estilo do melodrama dos anos 50 de Douglas Sirk.
O diálogo flui suavemente, as pistas musicais são familiares e a atuação é um pouco rígida, melhor combinada com os invólucros de plástico rígido dos cuidadores mecânicos que deveriam facilitar a vida de Carol, mas acabam fazendo com que ela se sinta pior. Estes são combinados com visuais vintage que lembram clássicos do Technicolor como O Mágico de Oz; uma referência que aparece ao longo do filme, inclusive aos campos de papoulas ao redor de Carol enquanto ela se masturba com “Minx” no pod de realidade virtual em forma de ovo de sua casa.
A mistura de referências específicas da época em “DreamQuil” é bem pensada, incorporando objetos e modas aproximadamente das décadas de 1940 a 1980. Aqui, Prager está confiante e não tem medo de fazer uma declaração: as composições são tão cuidadosamente compostas quanto se esperaria de um fotógrafo de belas artes, aproveitando ao máximo as imagens refratadas e a profundidade de campo rasa. O uso da cor é requintado, com Prager combinando amarelos manteiga, verdes menta, azuis vívidos e vermelhos vibrantes. Cada elemento estético do filme é julgado impecavelmente: a certa altura, o batom, as unhas, os saltos e a caneta de Carol combinam, criando um efeito impressionante.
Embora simplesmente admirar a aparência de DreamQuil seja suficiente para manter o interesse durante os curtos 89 minutos de duração do filme, também significa que o que permanece na memória do espectador após o término do filme é uma série de imagens, e não de ideias. De certa forma, é adequado para um filme sobre uma mulher que se sente arrancada por dentro. Mas, em última análise, “DreamQuil” está mais interessado em admirar o reflexo na face metálica brilhante do robô do que em descobrir o que realmente significa ser humano.
Nota: B-
“DreamQuil” estreia no SXSW 2026. Atualmente buscando distribuição nos EUA.
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