Como parte do SCAD Savannah Film Festival, a equipe Future of Filmmaking da IndieWire apresenta “Behind Their Lens”, uma série de painéis de discussão com alguns dos mais emocionantes artesãos, diretores e produtores de 2026.
No painel de diretores, a escritora/diretora de “Blue Heron” Sophy Romvari, a escritora/diretora de “Josephine” Beth de Araújo, a diretora de “Custom of the Country” Josie Rourke, a diretora de “The Good Daughter” Steph Green e a codiretora de “Toy Story 5” Kenna Harris falaram sobre seus diferentes caminhos na direção – praticamente um esporte de equipe – e como eles abordam tudo, desde pensar em locais até comunicar claramente sua visão com diferentes membros da equipe.
Mas o painel também falou sobre como o meio cinematográfico continua a mudar e as competências que pretendem trazer para projetos futuros, e que todos os diretores podem querer estar cientes disso.
Rourke, cujo primeiro longa-metragem teve o desafio de criar um amplo escopo histórico para “Mary Queen of Scots”, tem pensado em como diretores e artistas de efeitos visuais poderiam trabalhar melhor juntos, já que ele teve que construir alguns castelos (digitais) em algumas encostas da Escócia.
“Eu simplesmente sabia que não estava funcionando, mas não conseguia entender. E no final, liguei para um amigo meu que é um arquiteto muito bom e disse: ‘Escute, vá direto para a edição’ (para ver os ativos do castelo), e ele olhou e disse: ‘Sim, não vai aguentar'”, disse Rourke. “Foi muito interessante porque meu corpo tinha um medo profundo de querer usar aquela estrutura. Era apenas um castelo imaginário, mas (eu sabia) que era perigoso.”
A consciência instintiva de Rourke é algo em que ele tem trabalhado desde então para tentar se comunicar melhor com a equipe de efeitos visuais, mas há mais nuances na forma como essas discussões são conduzidas. “Algumas das questões (escolhas de efeitos visuais) eram sobre custo. Então, eu nem sabia como olhar para isso e pensar: ‘Veja como posso conseguir isso de forma mais econômica'”, disse Rourke. “Eu sabia como cortar figurinos ou cortar cenários ou cortar um roteiro ou cortar um cronograma, mas não sabia como dialogar com sabedoria e gerenciar criativamente o orçamento para efeitos visuais.”
Harris, que esteve envolvido com animação digital durante anos como artista de histórias antes de se juntar ao codiretor Andrew Stanton para trabalhar em “Toy Story 5”, ainda tinha muito que queria aprender sobre o processo.
“Eu gostaria de entender a simulação um pouco melhor porque queria aprender a falar de uma forma que parecesse mais colaborativa. E a razão pela qual digo isso é porque há certas coisas que mesmo hoje em um estúdio muito sofisticado como a Pixar ainda são difíceis de descobrir visualmente”, disse Harris.
Uma delas são as dobras das roupas – a capacidade de criar a impressão de roupas se movendo naturalmente ao longo do corpo de um personagem ou se reunindo em torno dos cotovelos de uma maneira verossímil, o que parece simples, mas na verdade é complexo o suficiente para criar a ilusão de um capuz apoiado nos ombros.
“Se eu dissesse: ‘Ei, eu realmente me importo com os vincos das mangas’, tenho certeza de que minha produtora, Lindsey Collins, diria: ‘O quê? Por quê? Por que, por que você se preocupa com isso?’”, Brincou Harris. “Mas, artisticamente, sou fascinado por isso. Ainda contamos com mecanismos baseados na física para coisas assim, e quando olho para muita arte 2D, há pessoas que podem criar coisas incríveis apenas fazendo roupas (funcionam), quão linda é a forma como o tecido funciona em nossos corpos, e isso é realmente difícil de fazer em escala de recursos. Então, acho que seria realmente incrível se eu entendesse a simulação de forma mais técnica, porque talvez eu estivesse mais perto de ter uma conversa sobre finalmente alcançar o objetivo de ver as dobras sensuais das roupas que Eu quis minha vida inteira.”
As roupas são importantes e subestimadas na ação ao vivo. Embora “Blue Heron” seja um filme independente, esta foi a primeira vez que Romvari trabalhou com um figurinista e viu o poder que os colaboradores criativos podem fazer nesse departamento.
“Muitas vezes é visto como muito frívolo e justo e, você sabe, muitas vezes tratado como uma peça feminina e realmente, você sabe, apenas colocando algo neles. Mas aprendi muito, trabalhando com minha figurinista, Maria (Katarina), como isso é essencial para a continuidade, esteticamente, mas também para a segurança e conforto dos atores”, disse Romvari.
Os figurinos fazem muito trabalho mudo em “Blue Heron”, pois é uma peça de época ambientada no final dos anos 90 (pensamento aterrorizante), com peças ambientadas em tempos mais contemporâneos também. Mudanças nas roupas e como os personagens se sentem em relação a si mesmos através do quão confortáveis eles se sentem com suas roupas articulam coisas que eles próprios não conseguem expressar.
“Muitas vezes perguntam aos figurinistas: ‘Você pode dar algo a eles?’ E agora eu entendo a turbulência interna pela qual eles passam quando pensam: ‘Você sabe quanto tempo passei pintando aquela camisa e depois usando esse esfoliante artificial para fazer com que parecesse que era de outra época?’ “Tanto trabalho é feito que não é apreciado, e isso é muito importante pelo que você vê na tela”, disse Romvari. “Então acho que estou falando apenas pelos figurinistas. Este é um elemento muito importante que não creio que esteja sendo elogiado pelo seu valor.”
