Já que a arte é medida pela bilheteria

Nos dias anteriores, Um discurso de Timothée Chalamet causou uma pequena tempestade no mundo das artes cênicas. O ator, falando sobre sua carreira no cinema, sugeriu que tem pouco interesse em trabalhar com horários ou em locações onde a tradição continua a ser preservada, embora com atenção limitada do público. O comentário, que rapidamente se espalhou online, irritou muitos músicos, cantores e coreógrafos.

O problema, porém, não é que Chalamet não se importe com ópera ou balé. O gosto do gênio dificilmente é um defeito, e nenhum artista é obrigado a amar todas as artes. Uma questão mais profunda é colocada noutro lugar: na sugestão de que o valor de uma forma de arte pode ser medido principalmente pelo tamanho do público ou pelas receitas que gera.

Esta forma de pensar tornou-se cada vez mais comum nas indústrias culturais de hoje. Filmes, músicas, livros e programas são frequentemente julgados principalmente por números – ingressos vendidos, transmissões acumuladas, retornos de bilheteria. Neste quadro, o sucesso comercial torna-se um atalho estratégico para determinar o que funciona e o que não funciona. É considerado um grande artista, porque vende muito; e a forma de arte é considerada viva porque preenche grandes espaços.

É claro que o dinheiro não é irrelevante. Os artistas devem ganhar a vida; os teatros devem manter as portas abertas; as orquestras devem apresentar música e técnica. Sem recursos financeiros, nenhuma organização cultural pode sobreviver por muito tempo. Mas confundir sustentabilidade económica com utilidade artística é um erro que a história da arte corrigiu repetidamente.

Muitas obras que hoje são lucrativas começaram sem grandes triunfos públicos. Alguns livros clássicos são agora considerados mal publicados na primeira vez; algumas composições musicais foram inicialmente ignoradas ou recebidas com confusão. A arte se move por mais tempo que o mercado. O que parece marginal num determinado momento pode, com o tempo, revelar-se essencial.

A Opera fornece um exemplo único desta distância entre o valor cultural e a lógica comercial. Nascida na Itália no início do século XVII, tornou-se uma das formas de arte mais influentes da história ocidental. Compositores como Giuseppe Verdi e Giacomo Puccini criaram óperas que continuam a ser apresentadas em todo o mundo, de Nova Iorque a Tóquio. Não porque dominem o mercado de entretenimento atual, mas porque expressam algo que o público ainda reconhece: emoção, drama, beleza.

Para muitos países, a Itália é acima de tudo uma obra, mais do que um espetáculo. Faz parte da identidade cultural, uma linguagem artificial que passou séculos, guerras, transformações sociais, revoluções tecnológicas sem expressar o seu poder.

Dizer que ninguém mais se preocupa com esta arte é, talvez sem saber, ignorar os milhões de ouvintes que continuam a encontrar algo vivo nela. Não é amor reconhecer as obras. Requer simplesmente resistir à tentação de transformar a preferência pessoal em julgamento universal.

No final das contas, o tamanho da forma de arte só pode ser medido pela quantidade de ingressos adquiridos no fim de semana. Mede-se pela sua capacidade de continuar e passar gerações e de ouvir quem quer voltar a falar.

Às vezes leva muito tempo.

Quando Luciano Pavarotti canta a ária E lucevan le stelle de Tosca, acontece algo que as estatísticas não conseguem captar. Não se trata de tendências de marketing ou relevância cultural. É simplesmente o momento em que a música faz o que a arte sempre fez: transforma o sentimento humano em algo comum.

A obra também nos lembra algo cada vez mais raro no entretenimento atual: apenas o poder da voz humana. Um tenor como Pavarotti poderia subir ao palco sem microfone e ainda assim carregar sua voz por toda a orquestra, enchendo o teatro de som usando nada além de espírito, habilidade e anos de treinamento.

É um pequeno milagre da arte humana – algo que nenhum algoritmo pode medir ou explicar completamente em um gráfico líquido.

E talvez esse seja o domínio da expressão humana ao qual a arte deveria aspirar.

Apoie o Florence Daily News

Se você gostou deste artigo, considere apoiar o Florence Daily News.

Somos um site de notícias independente, livre de publicidade e mídia intrusiva, para fornecer cobertura clara e confiável de Florença e da Toscana para todos.

Seu apoio — seja um presente único ou uma contribuição regular — nos ajuda a permanecer independentes e a contar histórias do mundo real.

Doe com segurança através do Stripe abaixo.

Eirini Lavrentiadou é atriz e cantora, nascida em Salónica em 1992. Nasceu em Florença, onde estudou na academia de teatro da cidade e na escola de música Faesula. Atuou em música clássica grega e europeia, trabalhou com maestros e companhias internacionais e apareceu em concertos que vão da ópera ao jazz. Ela contribui para o Florence Daily News.

Relacionado