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Anime queer está na moda ultimamente. Programas com temática LGBT já foram geralmente marginalizados e restritos a certos círculos, como Death by Summer Light e Come on, Middle Mala! ” recebeu ampla aclamação da crítica e sucesso. O conceito de um gênero de anime com tema gay se tornou popular, mesmo além dos fãs do meio: graças à “intensa competição”, mais pessoas do que nunca sabem o que são “yaoi” e “fujoshis”, para melhor ou para pior.
As atitudes complicadas do Japão em relação à homossexualidade – correndo o risco de simplificação excessiva, são em alguns aspectos mais conservadoras em relação às pessoas queer e em outros mais tolerantes – permeiam os meios de comunicação que saem do país. Você normalmente não vê muitos personagens queer nas maiores e mais populares séries de TV, embora mesmo assim haja exceções: afinal, Sailor Moon ajudou a impulsionar a representação queer na mídia ao apresentar um casal abertamente lésbico no início dos anos 90. A indústria de anime sempre produziu obras de nicho e transgressoras que tratam de temas LGBT, desde aquelas que tratam da maioridade como uma pessoa transgênero (“Wandering Son”) até romances escapistas e comoventes (“Yuri on Ice”).
Mas houve um anime LGBT que se destacou e ainda ressoa hoje como um portador da representação queer na mídia. Revolutionary Girl Utena, uma série de 39 episódios lançada pela primeira vez em 1997, não foi apenas uma das primeiras animações a apresentar um enredo com temática LGBT: é uma das melhores obras-primas de toda a história da animação e continua extremamente influente para novos criadores hoje. Embora difícil de encontrar, vale a pena assistir esta série para quem se preocupa com uma boa televisão (muito menos com anime). E, com GKIDS lançando sua Utena reimaginada (parte sequência, parte remake) nos cinemas em 21 de junho, agora é o momento perfeito para celebrar a série e sua abordagem ainda transgressora e desafiadora sobre sexo, gênero e narrativa.
Revolutionary Girl Utena é a rara obra de animação japonesa que começa como uma criação completamente original em vez de uma adaptação, e é ideia de Be-Papas, uma equipe de produção formada especificamente para criar a série. A série e Be-Papas são criação do diretor Kunihiko Ikuhara. Kunihiko Ikuhara é um veterano da Toei Animation, tendo atuado como diretor da série por três temporadas de “Sailor Moon” e diretor de “Sailor Moon R: The Movie”, de 1993. Frustrado pela falta de liberdade artística, ele deixou a Toei em 1996 e montou uma equipe criativa, incluindo o artista de mangá Chiho Saito, o animador Shinya Hasegawa e os escritores Yoji Enokido e Yuichiro Oguro, para criar uma obra original. A intenção inicial era criar uma série “shoujo” relativamente popular voltada para mulheres jovens, à la Sailor Moon: um conceito que foi abandonado no início foi que o programa se concentraria em um grupo de guerreiras lutando para evitar o fim do mundo.
À medida que a produção avançava, entretanto, a série evoluiu para um trabalho diferente de tudo visto em animação antes ou depois. Os objetivos de Ikuhara tornaram-se ainda mais ambiciosos, incorporando elementos de vanguarda, inspirando-se no teatro experimental japonês e contratando o compositor JA Seazer para criar a agora icônica trilha sonora do espetáculo. A peça tornou-se cada vez mais estilizada, incluindo elementos como segmentos de marionetes de sombra que comentavam a história principal, cenas com molduras decorativas de vitrais e cenas de luta que se inspiraram coreográficamente no teatro Noh japonês.
Talvez o mais ousado seja o fato de Ikuhara acreditar que o relacionamento central entre os protagonistas Utena (uma garota que espera ser um príncipe) e Anzai (a “Noiva Rosa”) deveria ser um romance. Várias pessoas envolvidas na produção da série, principalmente Saito, inicialmente se opuseram, argumentando que o público feminino jovem que o roteiro deveria atrair não responderia bem a nada além da heterossexualidade. Mas a arte de Saito provou ser a base para o estilo visual brilhante e rico do programa, que finalmente ganhou terreno e o programa evoluiu para uma história de amadurecimento queer subversiva e totalmente única.
Revolutionary Girl Utena desconstrói tropos de anime e convenções de contos de fadas com uma premissa que, superficialmente, não parece muito diferente de séries animadas e quadrinhos anteriores, como Knight Princess e Rose of Versailles – ambos focados em heroínas travestis e lutadoras de espadas, e apresentavam alguns comentários ambíguos de gênero. Em particular, a série é facilmente comparada ao mangá “Princess Knight” do autor de Astro Boy, Osamu Tezuka, que apresenta uma garota com coração azul de menino e coração rosa de menina que se disfarça de príncipe para salvar o reino. Assim como Princess Knight, a estética de “Girls’ Revolution” foi parcialmente inspirada na tradicional Takarazuka Revue japonesa, uma companhia de teatro musical exclusivamente feminina, com mulheres interpretando papéis masculinos e femininos.
No entanto, Princesa Knight cria seu próprio mundo através de noções de gênero muito estereotipadas: o masculino interior da protagonista é a fonte de sua força e capacidade de luta, e a série termina com ela abrindo mão de seu lado masculino para viver como uma mulher tradicional. A Garota Revolucionária Utena adota uma abordagem mais subversiva e radical, questionando os papéis de homens e mulheres através do desejo infantil de Utena de se tornar um príncipe – não um desejo literal de se tornar realeza ou mudar de gênero, mas mais de incorporar as qualidades de força e compaixão que o personagem simboliza. Contrastando-a com a mansa, misteriosa e passiva Anthy, a peça explora as restrições enfrentadas por homens e mulheres nos papéis tradicionais de género, centrando-se na ainda radical fluidez de género de hoje.
Situado na única Ohtori Academy, um espaço estranhamente surreal que parece desconectado do mundo exterior, o romance de Utena e Anthy não sofre preconceitos evidentes do resto do elenco, mas o casamento de Anthy está sujeito a propostas de vários estudantes do sexo masculino através de uma série de duelos, graças ao seu aparente poder de “revolucionar o mundo”. O que isso significa mal é explicado na abertura do programa, que é apresentada de forma mais direta do que nos episódios finais cada vez mais surreais, mas já é uma estranha obra cheia de simbolismo e narrativa visual abstrata. No entanto, o programa evoluiu ao longo de 39 episódios para uma novela elaborada, com um enredo complexo de personagens contra Utena, e seu relacionamento com Anthy se tornando a bússola que guia a tragédia em direção à sua conclusão ambígua.
Utena é uma obra que mal se resume; a experiência de assisti-la é menos uma narrativa tradicional do que uma obra de arte que é queer em todos os sentidos da palavra, desde sua estética até suas relações e seu ethos de contar histórias. É importante notar que “Adolescência de Utena” é mais surreal e estranho do que o programa original, focando mais no relacionamento físico de Utena e Anthy do que o programa poderia fazer nos anos 90. Há muitas animações queer peludas para assistir durante o Orgulho, e essas comédias românticas são reconfortantes e doces. Mas se você está procurando um programa que leve a narrativa queer em direções surpreendentes e desafiadoras, Utena é facilmente um dos maiores: não apenas para anime, mas para toda a televisão.
